Dr. ANTHONY BRANKER
Interview
By Thierry De Clemensat
Peu de compositeurs travaillant aujourd’hui aux États-Unis exercent l’autorité discrète qu’incarne Anthony Branker. Compositeur à l’étendue remarquable et à la profondeur intellectuelle affirmée, il est également chef d’orchestre et a collaboré avec une impressionnante constellation de figures majeures du jazz, parmi lesquelles Clark Terry, Phil Woods, Terence Blanchard, Slide Hampton, Jimmy Heath, Jon Faddis, Ted Curson, Oliver Lake, Frank Foster, Benny Carter, Conrad Herwig, Stanley Jordan, Ralph Bowen, Bobby Watson, Steve Nelson, Orrin Evans et Bob Mintzer.
Depuis 2014, Branker dirige également Abyssinian 200: A Gospel Celebration, œuvre monumentale du compositeur lauréat du prix Pulitzer Wynton Marsalis, à la tête du Glee Club et du University Concert Jazz Ensemble de Princeton University. Son empreinte artistique dépasse ainsi la seule composition pour s’étendre à la recherche, à la pédagogie et à la transmission culturelle, faisant de lui un pont entre la tradition du jazz et le discours intellectuel contemporain.
La responsabilité civique du son
Thierry De Clemensat :
Anthony, quelle est aujourd’hui la mission d’un compositeur ? À une époque saturée de sons et de distractions, le compositeur porte-t-il une responsabilité civique ? La musique doit-elle provoquer, consoler, déranger ou servir de mémoire historique ?
Anthony Branker :
Je pense que la musique peut constituer un moyen « d’enquête éthique » au-delà de sa seule dimension esthétique, le compositeur traduisant ses turbulences personnelles en un langage partagé. Cela permet au public de véritablement faire l’expérience de la musique, plutôt que de simplement la consommer. Pour ma part, je conçois le rôle du compositeur comme une responsabilité sociale, un art du récit et un espace de dialogue engagé. Je crois que la musique que nous créons à pleinement le droit de remettre en question et de bousculer les compréhensions de nos auditeurs, et qu’elle peut devenir un mode de connaissance, de mémoire et de témoignage.
Une grande partie de mon travail reflète ma philosophie de compositeur et d’enseignant, longtemps orientée vers l’élévation de la conscience sociale. Cela implique d’explorer des questions telles que la justice sociale, l’égalité, la spiritualité, l’intolérance, les préjugés, l’équité de genre, l’ethnicité, les politiques de représentation et la notion de « place » dans la société, afin d’approfondir notre compréhension de ces enjeux, des autres et de nous-mêmes.
Choisir des thèmes
Thierry De Clemensat :
Comment sélectionnez-vous les thèmes de vos compositions ? Sont-ils ancrés dans la recherche historique, la méditation spirituelle, la réflexion politique ou l’expérience personnelle ? Un thème surgit-il comme une révélation soudaine ou naît-il d’une étude patiente ?
Anthony Branker :
Pour être honnête, je souhaite explorer des événements historiques et des questions sociétales qui peuvent être dérangeants ou difficiles, ainsi que ceux qui ne sont pas largement connus. Cela m’amène à lire continuellement, à écouter des podcasts, à participer à des discussions et à explorer des contenus provenant d’organisations engagées sur les sujets importants pour l’évolution de ma compréhension.
Depuis des années, je tiens un carnet séparé pour y consigner des idées et des concepts, où j’écris tout ce qui pourrait inspirer une nouvelle pièce ou une œuvre de plus grande envergure. En fait, certaines musiques de Manifestations of a Diasporic Groove & Spirit sont fondées sur des idées que j’ai notées au cours de la dernière décennie, voire simplement l’an dernier. Certaines entrées du carnet incluent des titres de compositions, qui peuvent à eux seuls susciter le développement d’une pièce, simplement en comprenant ce que le titre suggère.
En définitive, ces compositions sont ancrées dans la recherche historique, la pensée politique, l’expérience personnelle ou la réflexion spirituelle, comme vous l’avez souligné.
Influence et dialogue artistique
Thierry De Clemensat :
Certaines de vos compositions ont-elles été directement inspirées par des artistes que vous admirez ? Lorsque l’influence se manifeste, prend-elle la forme d’un hommage, d’un dialogue, d’une réinterprétation — voire d’une résistance ?
Anthony Branker :
Au début de mon parcours d’écriture, il existait souvent un lien perceptible entre l’atmosphère d’une composition et l’artiste qui l’avait inspirée, le titre révélant généralement cette connexion. Par exemple, des pièces comme « Sketches of Selim » s’inspiraient de la musique de Miles Davis ; « The House of the Brotherhood of the Black Heads » était influencée par le trompettiste Woody Shaw ; « For Woody & Bu » rendait hommage à Woody Shaw et Art Blakey ; et « J.C.’s Passion » reflétait l’essence musicale et spirituelle de John Coltrane.
Plus tard, j’ai exploré les œuvres de figures littéraires telles que Langston Hughes et Claude McKay. Leurs poèmes ou textes de spoken word ont reçu des interprétations musicales dans des styles variés, comme en témoignent des compositions portant le titre de leurs œuvres. Cela inclut « I, Too, Sing America » de Hughes sur l’album What Place Can Be For Us? A Suite in Ten Movements et « If We Must Die » de McKay sur The Forward (Towards Equality) Suite. J’ai également collaboré avec l’écrivaine brésilienne Beatriz Esmer, qui a créé le texte de spoken word pour « The Door of No Return », également présent sur What Place Can Be For Us? A Suite in Ten Movements.
Utiliser la poésie ou le spoken word comme catalyseur créatif est une approche que je mets en avant auprès de mes étudiants au fil des années dans des cours tels que The Improvising Ensemble, Seminar in Jazz Composition, Jazz Improvisation et le groupe de performance Avant Garde Ensemble. Cette démarche encourage les compositeurs à sortir de leur zone de confort et à repenser le processus créatif en explorant de nouveaux territoires.
J’ai véritablement apprécié travailler avec le texte de cette manière et l’intégrer à l’architecture des compositions. D’ailleurs, j’ai créé de nouvelles œuvres à partir de textes de W.E.B. DuBois, Paul Robeson et Beatriz Esmer pour un projet d’enregistrement à venir d’Anthony Branker & Imagine intitulé What Do You See When You Look at Me? A Nine Movement Suite, soutenu par une bourse 2024 New Jazz Works de Chamber Music America, financée par la Doris Duke Foundation.
La salle de classe comme laboratoire créatif
Thierry De Clemensat :
L’enseignement occupe une part importante de votre vie artistique. Quelles expériences académiques vous ont le plus profondément marqué, et pourquoi ? Est-ce en classe, en répétition ou dans le mentorat que se produisent les échanges les plus significatifs ?
Anthony Branker :
L’une des expériences les plus marquantes que j’ai vécues en tant qu’enseignant concerne un cours que j’ai développé à l’Université de Princeton intitulé « The Improvising Ensemble », un espace d’apprentissage unique en son genre.
Conçu pour des étudiants instrumentistes et chanteurs non spécialistes en musique, issus d’horizons musicaux très variés (musique classique, jazz, musiques populaires, R&B, hip-hop et musiques traditionnelles), ce cours visait à offrir une expérience de performance centrée sur le processus. Il donnait à ces étudiants l’occasion de réimaginer la création musicale à travers des concepts et des activités d’improvisation favorisant la collaboration en groupe.
En tant que compositeur, je crois qu’il est essentiel de se souvenir que la musique est avant tout une narration, et que cela doit rester prioritaire. Musicalement, cette narration peut ouvrir des espaces d’association pour les auditeurs, leur permettant d’entrer en résonance avec les thèmes extramusicaux qu’une œuvre peut aborder. Je m’efforce de proposer des moments musicaux dotés d’identités fortes, tout en développant le flux d’une pièce de manière cinématographique, visuelle et rythmique.
Cette conviction souligne l’importance de construire une relation avec les auditeurs et de les engager. Même si cela peut sembler surprenant, je n’écris pas spécifiquement pour un « public de jazz ». Je pense plutôt à l’auditeur ordinaire, à celui qui n’est peut-être pas familier du jazz ou d’une musique exigeant une écoute active. Mon objectif est de créer un lien avec lui, de le « rejoindre là où il se trouve », afin de favoriser un sentiment de participation, en reconnaissant que nous écoutons tous la musique différemment et pour des raisons variées, depuis des perspectives et des niveaux d’engagement multiples.
Tout au long du semestre, les étudiants ont exploré et réévalué la signification de la musique, se sont aventurés au-delà de leurs zones de confort musicales et ont élaboré des compositions collectives improvisées inspirées par des éléments tels que le son, le geste, le rythme, la poésie/parole déclamée et les arts visuels.
De nombreux enseignements importants ont émergé de l’exploration de cet espace d’apprentissage, tant pour les étudiants que pour moi-même, et beaucoup d’entre eux continuent d’influencer ma manière d’enseigner l’improvisation jazz à Rutgers ainsi que d’encadrer de petits ensembles comme notre Avant Garde Ensemble. Lorsque les étudiants s’engagent dans des activités d’improvisation collaborative afin de créer une musique à la fois improvisée et composée collectivement, comme je l’ai étudié dans ma recherche publiée, une telle approche peut favoriser la coopération, la collaboration et un sentiment de responsabilité partagée. Elle peut renforcer l’interaction communicative, encourager la pensée imaginative, la résolution de problèmes et la prise de risque, et instaurer un climat de confiance mettant en valeur l’ouverture, l’altruisme et le compromis.
L’utilisation d’activités collectives intégrant des approches plus libres de l’improvisation et de la composition comme fondement conceptuel de la création musicale en classe a non seulement le potentiel « d’étirer » les étudiants et leur imagination, élargissant ainsi le champ des idées qu’ils pourraient normalement produire, mais peut également leur offrir l’occasion de réimaginer ce que signifie s’engager dans un processus de création musicale.
Je peux dire en toute sincérité et avec beaucoup d’enthousiasme que cette approche a ravivé ma passion et m’a redonné un nouvel élan en tant qu’enseignant !
Le principe central de l’enseignement
Thierry De Clemensat :
Dans le cadre académique, quel est le principe central que vous espérez le plus transmettre à vos étudiants ? La technique ? La rigueur intellectuelle ? Le courage ? Comment enseigner une voix artistique sans la prescrire ?
Anthony Branker :
La notion de « courage » s’impose clairement pour moi. Je veux que les étudiants comprennent que prendre des risques et créer en dehors des sentiers battus est à la fois acceptable et essentiel. Ils doivent se sentir capables de produire leur propre sens, de développer leur propre compréhension musicale et de créer leur propre expérience. Mais, en tant qu’enseignants, nous devons leur accorder cette liberté en renonçant à une part de contrôle et en leur permettant de travailler de manière autonome et collaborative.
Je pense que, à bien des égards, le modèle actuel de l’enseignement musical reflète un paradigme souvent fondé sur une manière occidentale de « voir le monde » ou, du moins, de « penser la musique » comme forme d’art. Cette approche n’est pas toujours sensible à la façon dont nos étudiants vivent la musique au XXIe siècle, ni aux intérêts particuliers qu’ils nourrissent dans leur pratique musicale à venir, ni même à la notion d’altérité et à la nécessité pour eux de développer une conscience d’autres modes de connaissance, autant d’éléments qui influencent directement leur capacité à penser de manière critique, créative et conceptuelle.
Cela étant dit, il me semble essentiel de poser certaines questions si nous voulons faire évoluer nos pratiques pédagogiques : que se passerait-il si, en tant qu’enseignants de musique, nous devenions plus attentifs à l’importance d’autonomiser les étudiants engagés dans la pratique musicale en classe ? Que se passerait-il si nous leur offrions des occasions de réimaginer le processus de création musicale ? Comment négocieraient-ils les défis liés à la création « hors des sentiers battus » ou dans des espaces situés au-delà de leurs propres zones de confort conceptuelles ? Quelles découvertes feraient-ils ? Que découvririons-nous ensemble en chemin ?
En réponse à ces questions, mon travail en classe s’est nourri de l’éducation esthétique, menant à la création d’environnements d’apprentissage où les étudiants peuvent travailler de manière autonome et collaborative. Ces espaces leur offrent la liberté de penser et d’explorer, de partager et d’échanger, de rechercher une compréhension et de produire leur propre sens. Ainsi, ils participent à diverses activités : utiliser l’improvisation comme stratégie compositionnelle, créer des portraits sonores, s’inspirer d’artefacts d’arts visuels pour élaborer des créations sonores, pratiquer des marches d’écoute (sound walks), considérer le rythme comme principe organisateur principal pour improviser collectivement ou composer, et élaborer des compositions de groupe collaboratives inspirées par d’autres médiums artistiques tels que la poésie ou la parole déclamée, la vidéo ou le mouvement.
Résonance transatlantique
Thierry De Clemensat :
Votre travail s’est étendu au-delà des États-Unis, notamment au Danemark, en Allemagne, en France et en Estonie dans le cadre du programme Socrates Erasmus. Qu’ont apporté ces rencontres à votre perspective artistique ? Le jazz parle-t-il différemment lorsqu’il est entendu à travers différentes langues et cultures ?
Anthony Branker :
Les pays que vous mentionnez, ainsi que d’autres en Europe et en Amérique du Sud où j’ai partagé ma musique et mes réflexions sur la création musicale, abritent des artistes d’une inventivité remarquable. Ces artistes interprètent le jazz ou la musique improvisée de manière à refléter leurs contextes culturels ou géographiques spécifiques. Malheureusement, aux États-Unis, nous ne sommes pas toujours familiers avec ces artistes ou leurs contributions à la scène musicale. Nous ne les reconnaissons pas nécessairement comme des « artistes de jazz » au sens traditionnel, car ils abordent cette musique d’une façon qui ne correspond pas toujours à ce que nous considérons comme authentique.
Autrement dit, nous pourrions attendre d’eux qu’ils adhèrent strictement à la tradition et aux pratiques stylistiques originelles du jazz. Cela pourrait signifier qu’un artiste devrait développer un style de jeu qui imite ou reproduit fidèlement les sources originales, en sonnant comme des figures emblématiques telles que Charlie Parker, John Coltrane, Max Roach ou Freddie Hubbard, ou encore comme d’autres « gardiens de la flamme », pour être considéré comme jouant un jazz authentique.
À mon sens, imiter ou créer de manière dérivative comme finalité serait paradoxalement ce qu’il y a de moins authentique, car cela reviendrait à ne pas être fidèle à soi-même. Je crois que les expériences uniques de chacun doivent influencer sa musique, et l’arrière-plan culturel en fait partie. Si l’on y réfléchit, il émergera nécessairement quelque chose de distinctif et de significatif issu de sa propre culture dans la manière de concevoir et d’interpréter cette musique. Plutôt que de jouer un style ou un genre de jazz tel que la tradition l’a dicté, de nombreux musiciens à travers le monde embrassent à la fois le jazz et leur héritage culturel pour créer une musique qui reflète plus profondément leur individualité. C’est précisément ce qui se passe dans les pays que vous avez mentionnés.
Le rôle d’Origin Records
Depuis de nombreuses années, les enregistrements de Branker sont publiés par Origin Records, un label reconnu pour son catalogue soigneusement sélectionné d’artistes contemporains de jazz.
Thierry De Clemensat :
Comment cette collaboration de longue date a-t-elle façonné votre travail de compositeur ? Un label peut-il agir comme un partenaire créatif plutôt que comme un simple distributeur ?
Anthony Branker :
Mes collaborations avec Origin Records et John Bishop ont été une véritable bénédiction dans ma vie ! Tout a commencé en 2009 avec l’album Blessings de mon groupe Ascent, réunissant l’altiste Steve Wilson, le saxophoniste ténor Ralph Bowen, le tromboniste Clifford Adams Jr., le vibraphoniste Bryan Carrott, le pianiste Jonny King, le contrebassiste Belden Bullock, le batteur Wilby Fletcher et le conguero Renato Thoms.
Avant cela, j’avais sorti en 2006 un album intitulé Spirit Songs sur le label Sons of Sound (Origin l’a réédité en 2023). Sans nouveau label à l’époque, je suis retourné en studio en 2008 (je crois) pour enregistrer les compositions de Blessings, inspirées par des thèmes spirituels. Je l’ai envoyé à plusieurs maisons de disques : les retours étaient positifs, mais personne ne l’a retenu.
Un ancien étudiant de Princeton, Chuck Staab, excellent compositeur et ancien batteur/directeur musical de la chanteuse Melody Gardot, m’a parlé du saxophoniste Tom Tallitsch, qui avait publié un album sur le label OA2, affilié à Origin Arts. J’ai alors pris un pari et envoyé les titres de Blessings à John Bishop. L’équipe d’Origin a estimé que le projet correspondait parfaitement à la ligne artistique qu’ils défendaient.
Aujourd’hui, nous sortons Manifestations of a Diasporic Groove & Spirit, mon onzième album avec eux, et le parcours a été remarquable ! Ce que j’aime chez Origin, c’est la liberté créative qu’ils m’ont offerte pour évoluer en tant que compositeur et chef d’orchestre, en soutenant toujours ma vision musicale à travers différents ensembles comme Ascent, Word Play, Imagine et Other Ways of Knowing.
Donc, pour répondre à votre question : oui, un label peut véritablement être un partenaire créatif, et j’ai eu la chance de vivre cette expérience avec Origin Records durant nos 17 années de collaboration.
Conseils à la nouvelle génération
Thierry De Clemensat :
Que diriez-vous à un jeune qui aspire aujourd’hui à devenir compositeur ? Doit-il s’immerger dans la tradition, s’en affranchir, ou tenter de naviguer entre les deux ?
Anthony Branker :
C’est une excellente question ! Je crois fermement qu’il est essentiel de s’engager avec les traditions et les pratiques du passé, sans pour autant s’y sentir enfermé. Nous ne devons pas considérer la musique d’hier comme une relique à imiter aveuglément ou à vénérer comme « la seule voie possible ». Il faut plutôt explorer ce que la musique peut encore devenir.
Dans ce cheminement, les musiciens créatifs, qu’ils composent ou improvisent, doivent chercher à découvrir leur voix authentique.
La véritable authenticité exige d’accepter sans crainte sa propre histoire et ses influences, même si elles ne correspondent pas aux récits traditionnels du jazz. L’identité artistique commence à se dessiner lorsqu’on cesse de filtrer son expression à travers les attentes des autres et qu’on laisse son « monde musical intérieur » définir son son.
Comme je le dis à mes étudiants :
« Ne vous excusez jamais pour les influences qui vous ont façonné. Si elles sont suffisamment fortes, elles feront de vous un artiste unique et vous aideront à partager votre voix. »
Il existe de nombreux angles morts dans l’enseignement du jazz. Nous devons repenser nos approches et créer des espaces pédagogiques alternatifs qui ne soient pas uniquement guidés par le « on a toujours fait comme ça », notamment dans l’enseignement de l’improvisation, de la composition, de l’histoire et de la performance.
Il faut favoriser des approches qui :
- encouragent d’autres formes de savoir,
- libèrent l’imagination,
- permettent à l’intellectuel et à l’émotionnel de coexister,
- valorisent les expériences collaboratives,
- et encouragent la prise de risque musicale.
Héritage familial et transmission
Thierry De Clemensat :
Vous venez d’une famille de musiciens ; votre père était pianiste et compositeur. Comment cet héritage a-t-il façonné votre parcours ? La musique fut-elle un appel ou un héritage à redéfinir ?
Anthony Branker :
En réalité, je dois clarifier un point : mon père n’était pas vraiment musicien, même s’il jouait de l’harmonica et du clairon dans sa jeunesse à Trinidad et continuait à jouer de l’harmonica pendant mon enfance, il était formidable ! Il m’a énormément soutenu et m’a offert mon premier abonnement au magazine DownBeat vers 11 ou 12 ans, sans que je réalise alors combien cela deviendrait important pour moi.
Plus tard, j’ai découvert la profondeur des racines musicales de ma famille. Mon oncle Rupert Branker était pianiste et directeur musical du groupe vocal légendaire The Platters, et il a également joué pour le groupe doo-wop/R&B The Chords. Un autre oncle, Roy Branker, pianiste lui aussi, faisait partie de la fraternité harlémoise The Copasetics et du trio The Three Peppers. Il a collaboré avec Billy Strayhorn et est mentionné dans l’autobiographie de Duke Ellington, Music Is My Mistress.
J’ai également un cousin, Nicholas Brancker, producteur et bassiste barbadien nommé aux Grammy Awards, qui a travaillé avec Roberta Flack, Simply Red et Cyndi Lauper. Plus récemment, j’ai appris que le trompettiste Etienne Charles, professeur à l’Université de Miami et originaire de Trinidad, est mon cousin par alliance !
Avec le recul, la musique était véritablement un appel. Au lycée, j’ai assisté à mon premier concert de jazz : le Maynard Ferguson Big Band. Ils jouaient un jazz swing d’une énergie incroyable, principalement issu de l’album M.F. Horn 4 & 5 Live at Jimmy’s. J’ai été totalement bouleversé par l’intensité, la précision et la passion du groupe. Ce soir-là, j’ai su que je voulais consacrer ma vie au jazz, ou du moins faire de la musique un élément central de mon existence.
Une méditation diasporique
Le prochain album de Branker, Manifestations of a Diasporic Groove & Spirit, paraîtra en mars chez Origin Records.
Thierry De Clemensat :
Au-delà du discours promotionnel, quels courants profonds animent ce projet ? Le titre évoque-t-il la diaspora comme histoire, rythme, théologie, mémoire collective, ou tout cela à la fois ? Quelles conversations espérez-vous susciter ?
Anthony Branker :
Les thèmes de la résilience, de la mémoire historique, de la découverte, de la liberté sous-jacente et des survivances musicales traversent cet enregistrement.
J’espère que mettre ces thèmes en lumière contribuera à approfondir notre compréhension des enjeux sociaux évoqués, et à nourrir des discussions dont nous avons cruellement besoin aujourd’hui.
Le nom de mon nouvel ensemble, « Other Ways of Knowing », est central dans cette réflexion. Il traduit un éloignement d’une vision unique du monde souvent associée à une perspective occidentale vers une approche multidisciplinaire qui embrasse l’altérité comme outil d’enquête sociale, de réappropriation historique et de narration collective.
La musique offre une forme de connaissance au-delà des archives écrites. Elle reflète la culture, les valeurs, les croyances, les émotions vécues, et se manifeste dans l’esthétique sonore et l’imaginaire d’un peuple.
Ainsi, l’album propose un voyage musical à travers le récit culturel, la justice sociale et la mémoire historique au sein des diasporas africaines et autochtones.
Plusieurs événements socio-historiques ont inspiré ce projet :
- la résistance politique dans « Song for Marielle Franco »,
- la crise des femmes autochtones disparues et assassinées dans « Stolen Sisters »,
- la marginalisation systémique et les inégalités raciales dans « Freedom Water March (At Igbo Landing) »,
- et l’identité culturelle dans « Afro Mosaic Soul Babies ».
L’album intègre également des emprunts musicaux aux traditions africaines, notamment les polyrythmies afrocentriques issues des cultures yoruba et ewe, les structures en appel-réponse, les textures contrapuntiques, ainsi que l’usage d’ostinatos, motifs rythmiques ou mélodiques répétés, caractéristiques des musiques de la diaspora.
Ces éléments créent des tensions dynamiques et constituent la base de ce que l’on pourrait appeler des « grooves diasporiques ».
Ces inspirations reflètent ma vision de la musique qui s’y trouve comme une véritable « manière de connaître », un outil permettant de témoigner des vérités historiques tout en célébrant un esprit culturel qui a su perdurer malgré le déplacement et les traumatismes.
Je tiens également à préciser qu’il est important de souligner que ce projet a été rendu possible grâce à une bourse individuelle pour artiste en composition musicale 2025 du New Jersey State Council on the Arts, administrée par Mid Atlantic Arts, en partenariat avec le National Endowment for the Arts.
Merci infiniment, Thierry, pour cette merveilleuse opportunité de partager mes réflexions sur la musique, l’éducation et ma pratique de la composition !!